L'artiste Ash Bowland partage sa quête de profondeur et d'authenticité dans l'art, ainsi que les défis auxquels elle est confrontée. Nous explorons également son projet THE ARCHIVE HOTEL, né d'une période d'autoréflexion.

En cherchant les bonnes questions à poser aux personnes que j'interviewe, je commence, comme tout le monde, par les googler. La première chose que je trouve, ce sont des photos sur le site du photographe Luc Dewaele, prises à Recyclart à Bruxelles. Aucune année n'est mentionnée, mais on y voit que tu as la tête complètement rasée. Peux-tu nous en dire plus sur cette photo et sur qui est Ash Bowland ?

C'est assez drôle que tu aies trouvé cette photo. Elle a été prise pendant mon année de master, ça devait être en 2011 ou 2012. J'avais alors 21 ou 22 ans. Luc était quelqu'un qui suivait aussi le master. C'était un homme un peu plus âgé, qui avait étudié la photographie pendant plus de dix ans et qui avait décidé de faire son master. Et c'était à Recyclart, à l'époque où Recyclart était encore situé à la gare de Bruxelles-Chapelle.

À mi-parcours de notre année de master, l'artiste Dries Segers et moi avons organisé une exposition en duo. C'était une exposition montrant l'avancement de notre projet de master. Le travail que j'ai finalement présenté à la fin de mon année de master, et qui apparaît sur cette photo, était alors encore à un stade intermédiaire, où nous expérimentions avec des matériaux pour notre présentation. L'œuvre finale est devenue quelque chose de complètement différent. Elle est restée dans le même contexte de réflexion et de recherche, mais visuellement, elle a totalement changé.

À ce moment-là, je n'étais pas nécessairement une autre personne, mais la manière dont je me présentais au monde et dont je me déplaçais était très différente. En fait, c'était également vrai pour l'œuvre qui était exposée lors de cette exposition. Elle montrait une femme nue. Pendant mon master, j'avais deux mentors : Liesbeth Decan, qui supervisait ma recherche théorique et ma thèse, et Aglaia Konrad, qui guidait mon travail visuel.

Aglaia avait une position radicale vis-à-vis du nu féminin. Elle ne l'a jamais exprimée explicitement, mais c'était très clair. Cela me posait problème, car je voulais suivre ma propre voie. Mais au cours de cette année de master, j'ai également découvert que cette image ne correspondait plus à ce que je voulais exprimer.

Je me demande si la façon dont je m'habillais et me présentais au monde extérieur a également changé en conséquence. J'ai toujours joué avec l'idée de la féminité, tant sur le plan conceptuel que visuel, car je trouve cela un concept particulièrement beau. Mais j'ai toujours aimé jouer avec ce stéréotype de la féminité. À quoi une femme doit-elle ressembler, comment doit-elle se comporter, comment doit-elle s'exprimer?

Parfois, j'ai l'impression que les choix que j'ai faits dans mon travail, en effaçant presque complètement ce nu féminin, étaient liés à la façon dont je me présentais au monde extérieur. C'est une réflexion que j'ai maintenant. Peut-être que ce n'est pas la vérité absolue, mais c'est tout de même une considération.

 

 

J'ai toujours joué avec l'idée de la féminité

 

 

Et à ce moment-là, étais-tu vraiment toi-même?

À ce moment-là, c'était certainement qui j'étais, car c'est ce que j'avais été pendant des années. Par exemple, avec mes cheveux rasés, j'avais 21 ans à l'époque. Je pense que c'était l'une des dernières années où j'avais cette coiffure, car j'avais commencé à me raser la tête à 16 ans. Aujourd'hui, je ne saurais même plus dire d'où venait cette idée. Je n'étais pas particulièrement rebelle. Je respecte les règles et je connais ma place dans la hiérarchie. Peut-être que je joue un peu avec ça, que je m'en sers parfois, mais en réalité, je suis assez docile.

Donc, je ne pense pas que c'était nécessairement un acte de rébellion, mais j'ai toujours été du genre à... "Ah, j'en ai envie maintenant, alors je vais le faire." C'est difficile de décrire pourquoi. Il y a quelque chose en moi qui dit : "C'est ce que je veux maintenant, alors je le fais."

Cela s'accompagne toujours de beaucoup de doutes et de peurs, et je sais que cela peut décevoir certaines personnes, mais finalement, je vais toujours de l'avant. Peu importe à quel point je m'inquiète de l'impact que cela pourrait avoir sur les autres ou sur ma relation avec eux, je finis toujours par avancer, parce que j'ai l'impression que je n'ai pas d'autre choix. Rire.

 

 

 

 

Sur votre site web, vous utilisez un système de numérotation pour vos œuvres avec des chiffres romains. Qu'est-ce qui vous a inspiré à travailler en séries ?

Depuis mon année de master, je travaille sous un seul titre : « Le-donner-à-voir ». Cela a commencé pendant mon master avec la question : une image photographique est-elle capable d'être une image singulière ? Dans ma thèse, j'ai étudié d'une part Picture for Women de Jeff Wall et d'autre part Las Meninas de Velázquez. Je les ai mis côte à côte, simplement sur la base d'une expérience.

Au musée du Prado à Madrid, tout le monde se regroupe autour de Las Meninas. Les gens ressentent vraiment une connexion avec le tableau, même de manière physique. On s'approche de près pour observer la texture, puis on prend du recul pour voir l'ensemble, ce qui permet de redécouvrir davantage l'œuvre.

Il y a une relation physique constante avec l'œuvre, et cette relation physique fait que le spectateur s'attarde beaucoup plus longtemps. En photographie, cet aspect est souvent absent. À moins que vous ne soyez intéressé par un pixel, il est rare de voir quelqu'un errer autour d'une image photographique. À l'exception de Jeff Wall.

Wall avait une rétrospective à Bozar. Jeff Wall est connu pour ses grandes boîtes lumineuses. Ces boîtes lumineuses sont si grandes que les images ne pouvaient pas encore être imprimées à cette échelle à l'époque. C'est pourquoi les photos étaient imprimées en fragments, puis assemblées.

Ainsi, chaque image comportait des jointures. C'était très fascinant. Soudainement, le travail de Jeff Wall devenait quelque chose de plus que de la simple photographie. Bien sûr, de nombreux artistes travaillent de cette manière, mais je pense que Jeff Wall a été l'un des premiers, et certainement le premier que j'ai découvert, à transformer la photographie en quelque chose de différent. Et ainsi, on pouvait aussi établir une relation avec l'œuvre. J'ai donc mis ces deux œuvres côte à côte, car un tableau est, dans la plupart des cas, une œuvre singulière. Une image qui possède suffisamment de puissance, tant esthétique que conceptuelle, pour captiver un spectateur. Mais ma question était : une image photographique peut-elle faire cela aussi ? Avec Jeff Wall, j'avais l'impression que c'était le cas.

À partir de là, j'ai commencé ma recherche sur la « méta-image », l'image qui concerne l'image elle-même. Je me demandais si une image photographique est capable de tout raconter dans ses propres limites. Cette recherche constitue la base de mon travail ultérieur. Jusqu'à ce jour, je continue à me poser la même question : comment une image se construit-elle et comment établir une relation entre l'image photographique et le spectateur ? Les études de cas, désignées par des chiffres romains, sont en réalité toutes des recherches plus petites, numérotées sous différentes catégories. Certaines de ces œuvres portent un titre entre guillemets, surtout ces dernières années, mais souvent ce n'est pas le cas.

 

 

 

 

J’ai lu en ligne que tu avais organisé ta propre exposition à l’espace Cas-Co à Leuven avec “Off The Grid”. Ton exposition s’appelait “The Archive Hotel”. Peux-tu nous en dire plus sur ce projet et comment il a vu le jour?

THE ARCHIVE HOTEL est un projet que j'ai initié en 2019, né d'une période de paralysie créative où j'avais du mal à concilier ma vie artistique et personnelle. Le projet visait à créer une plateforme en ligne, matérialisée sous forme de publication numérique imprimée en petites séries. Chaque numéro, limité à dix exemplaires, proposait une mise en page spécifique et des questions thématiques. Après une première année suivant cette structure, le projet a évolué lors de la deuxième année. Durant ces deux années, j'ai interviewé des artistes, principalement en Belgique, sur l'importance de leur archive visuelle dans leur pratique artistique, en me concentrant sur ceux engagés dans la recherche conceptuelle.

L'idée de THE ARCHIVE HOTEL est née de la tension entre le respect du travail des autres et ma fascination pour les images que je collectionnais. Inspirée par mon amour pour les images et mon rejet de l'appropriation sans originalité, j'ai développé le concept de "Homage & Conflict." Ce travail questionne l'utilisation du matériel visuel d'autrui et le processus d'appropriation. Tout au long du projet, j'ai exploré le rôle de l'archive dans la création artistique, sans jamais mentionner explicitement mon implication personnelle dans THE ARCHIVE HOTEL, bien que mes collaborateurs en étaient conscients.